MarKis´ Playlists

Depeche Mode : "World in My Eyes" (1990, Violator)

2012-01-22T11:41:00.005+01:00

Beaucoup de choses écrites dans mon précédent post sur The Cure peuvent s´appliquer à Depeche Mode : à l´instar de la bande à Robert Smith, il s´agit à l´origine un groupe de banlieusards anglais qui rencontra un succès immédiat au tout début des années 80 alors que les membres du groupe avaient tout juste 18 ans. Comme The Cure, leur succès fut croissant jusqu´au début des années 90. Comme The Cure, plus de 30 ans après ses débuts, Depeche Mode existe toujours et jouit d´une grande respectabilité.

Mais si The Cure n´a quasiment jamais cédé a la facilité, chez Depeche Mode en revanche la tentation du tube, du strass et du show-biz a toujours été bien présente. Comme si ce nom, emprunté à un magazine de mode français, traduisait dés le départ une volonté d´être tendance, de ne pas trop se laisser isoler dans sa singularité. Ainsi, dès 1980 Depeche Mode a épousé un positionnement paradoxal et délibérément refusé de choisir entre crédibilité underground et succès mainstream. C´est ce qui fait à la fois la limite et le charme de ce projet qui a résisté à tout : aux successives vagues grunge, rock, néo-electro qui aurait à chaque fois pu les ringardiser, ainsi qu´à ses propres périls : la drogue bien sûr, mais aussi l´amitié à l´épreuve du temps et du succès.

Faisant de l´ambigüité et du paradoxe son credo, Depeche Mode se veut insaisissable, et y parvient. Si le cerveau du groupe, Martin Gore, a joué dès le début sur son ambigüité sexuelle, la véritable star est Dave Gahan, baryton à la trajectoire cahotique. Son exubérance sur scène contraste avec la froide sobriété des autres membres du groupe, directement inspirés par l´esthétique Krafwerk.

Violator, sorti en 1991, est peut-être l´album le plus abouti du groupe. En utilisant pour la première fois des guitares en complément de leurs traditionnelles trames mélodiques 100% synthétiques, le groupe trouva un nouveau souffle, conférant une dimension plus puissante à leurs noires compositions. Si "Personal Jesus", "Enjoy The Silence" ou "Policy of Truth" furent des tubes gigantesques, l´entame de l´album, la suite « World in my Eyes » / "Sweetest Perfection" constitue, dans un registre cold mais totalement habité, peut-être ce que Depeche Mode a composé de plus authentique. Et ce n´est pas Robert Smith qui me contredira.

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World in My Eyes (Gahan/Gore)

Let me take you on a trip
Around the world and back
And you won't have to move
You just sit still

Now let your mind do the walking
And let my body do the talking
Let me show you the world in my eyes

I'll take you to the highest mountain
To the depths of the deepest sea
We won't need a map, believe me

Now let my body do the moving
And let my hands do the soothing
Let me show you the world in my eyes

That's all there is
Nothing more than you can feel now
That's all there is

Let me put you on a ship
On a long, long trip
Your lips close to my lips
All the islands in the ocean
All the heaven's in the motion
Let me show you the world in my eyes

That's all there is
Nothing more than you can touch now
That's all there is

Let me show you the world in my eyes

The Cure - "Kyoto Song" (1985)

2011-11-20T11:57:00.003+01:00

Comment expliquer qu´une formation aussi intègre et tourmentée que The Cure soit devenue l´un des plus gros vendeurs de disques sur les 5 continents, tutoyant pendant presque une décennie les niveaux de succès rencontrés par U2 ou Dépêche Mode ? Plus de 30 ans après les débuts discographiques de la bande à Robert (Smith), le mystère reste entier. Rien ne semblait prédestiner The Cure, formé à la fin des 70´s dans la sinistre ville de Crawley, lointaine banlieue grisâtre de Londres, au succès international.

The Head on the Door sort en 1985, au beau milieu d´une série de 7 albums studio grandioses (1980-1989). De Seventeen Seconds, second album du groupe, dont la cold pop synthétique lance véritablement les années 1980, jusque Disintegration (1989) qui en constitue probablement l´un des testaments les plus aboutis, The Cure n´a livré que des chefs-d´œuvre, se payant le luxe de ne jamais faire deux fois le même disque, oscillant entre cold wave, dark wave, rock gothique, pop voire psychédélisme. Plus pop que ces prédécesseurs, The Head on th Door bénéficiera à plein des succès des singles « In Between Days » et « Close to me », ce qui permettra de faire connaître au plus grand nombre « Sinking » et « Kyoto Song », les morceaux les plus sombres de l´album.

« Kyoto Song » naît de la fusion de deux cauchemars distincts faits par Robert Smith et sa compagne Mary. Celle-ci rêve d´une noyade (la lumineuse entrée A nightmare of you/of death in a Pool/ Wakes me up at 3:45) tandis que lui fait rien de moins qu´un rêve cannibale (le terrifiant refrain It looks good! / It tastes like nothing on earth / (x2) / It’s so smooth it even feels like skin…). La noirceur surnaturelle des paroles contraste en apparence avec la mélodie principale, dans une veine minimaliste, d´une pureté tellement extrême qu´elle en devient troublante. Ainsi, malgré cette simplicité formelle, le pouvoir de fascination de ce morceau singulier, qui, comme les rêves, semble défier les lois de la pesanteur, reste absolument intact, presque 27 ans plus tard.

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Kyoto Song

(Robert Smith)

a nightmare of you of death in the pool
wakes me up at quarter to three
i'm lying on the floor of the night before
with a stranger lying next to me
a nightmare of you of death in the pool
i see no further now than this dream
the trembling hands of the trembling man
hold my mouth to hold in a scream

i try to think to make it slow
if only here is where i go
if this is real i have to see
i turn on fire and next to me...

it looks good! it tastes like nothing on earth
it looks good! it tastes like nothing on earth
its so smooth it even feels like skin
it tells me how it feels to be new

it tells me how it feels to be new
a thousand voices whisper it true
it tells me how it feels to be new
and every voice belongs
every voice belongs to you

My Dying Bride: "The Cry of Mankind" (1995)

2011-09-18T16:15:00.009+02:00

Le doom (c´est-à-dire littéralement « condamnation ») est l´une des nombreuses ramifications du heavy metal. Sa caractéristique première est une ambiance musicale désespérée jouée sur un tempo traditionnellement lent. Si le premier morceau doom fut sans conteste composé par Black Sabbbath (avec le cultissime et éponyme morceau « Black Sabbath », 1970), ce genre demeura ensuite dans une semi-léthargie pendant une petite vingtaine d´année, - malgré les efforts notables dans les années 80 de formations telles que Candlemass, Pentagram ou Saint Victus -, avant de connaître un revival fracassant dans les 90´s avec la percée auprès d´un large public de Paradise Lost et Anathema.

Moins connu que ses compatriotes britanniques, My Dying Bride reste clairement aux yeux des spécialistes la référence ultime en matière de doom metal, ayant composé les deux albums peut-être les plus cruciaux du style : « Turn Loose the Swans » (1993) et « The Angel and the Dark River » (1995). La formation, toujours en activité malgré de nombreux changements de line-up, a composé encore 8 albums studio entre 1997 et 2011, faisant assez largement évoluer son style, tout en conservant un haut niveau d´intégrité.

Aussi inspiré que son prédécesseur, « The Angel and The Dark River » mixe toujours le symbolisme religieux à une réflexion sur la difficulté de communiquer. Très homogènes, les 7 morceaux qui composent ce chef d´œuvre ne se livrent pourtant pas facilement, notamment en raison de leur durée. En effet, le titre le plus court, le déprimé « A Sea to Suffer In » dure tout de même plus de 6:30, tandis que la grande fresque inaugurale « The Cry of Mankind » dure elle plus de 12 minutes.

Ce morceau, que je vous propose ici dans une version raccourcie (les puristes retrouveront la version originale là), est comme l´indique son titre une longue complainte lancinante et désespérée, une puissante ode à la résignation. Les deux lignes mélodiques superposées tout le long du morceau lui confèrent un étrange pouvoir addictif. Comme sur les autres titres de l´album, le charismatique vocaliste Aaron Stainthorpe, volontiers adepte de postures christiques sur scène, distille par son chant lancinant des ambiances oppressives et nous dépeint un monde sans aucun espoir.

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The Cry of Mankind

You can't expect to see him and survive
You'll swallow his tongue of thorns
His mouth, dripping with flies
In his glorious kingdom of fire
But I believe he wept
I will make them all lie down
Down where hope lies dying
With lust, you're kicking mankind to death
We live and die without hope
You tramp us down in a river of death
As I stand here now, my heart is black
I don't want to die a lonely man
This is a weary hour
This is a weary hour

Lacrimosa: "Vermächtnis der Sonne" (1995)

2011-06-12T11:07:00.005+02:00

Lacrimosa est le nom du projet crée en 1990 par le compositeur et chanteur allemand Tilo Wolff et la contralto finlandaise Anne Nurmi, qui officiait jusque-là au sein de la formation gothique Two Witches. Vingt-et-un ans et dix albums studios plus tard, Lacrimosa est sans conteste l´un des groupes phares de la scène métal gothique, étant parvenu à imposer son romantisme obscur et exigeant, devenu de plus en plus symphonique au fil des ans. Connu mondialement, le groupe jouit d´une renommée particulière au Mexique, au Japon ou encore en Espagne.

Angst et Eisemkeit, sortis en 1990 et 1991, choquent encore aujourd´hui par leur absolue noirceur. Minimalistes, désespérés, et pour tout dire assez malsains, des morceaux comme « Seele in Not » ou « Reissende Blicke » n´en demeurent pas moins d´authentiques chefs d´œuvre. Mais c´est en 1992 que se produit la mutation : délaissant les ambiances darkissimes de ses débuts, Lacrimosa opte pour un style symphonique et plus rythmé. Cette approche hybride combinant la dimension intellectuelle et émotionnelle du gothique au lyrisme des arrangements de cordes et l´énergie du metal ne livrera que d´excellents albums, tels que Stille (1997), Fassade (2001), Lichtgestalt (2005). Et un chef d´œuvre absolu : Inferno (1995).

Sur ce 4^ème album studio, l´énergie créatrice de Tilo Wolff est à son apogée, et nous livre huit morceaux à la fois indissociables les uns des autres et formidablement originaux. « Copycat » est une OVNI metal frisant la perfection, « Kabinett der Sinne » une magistrale tentative de fusion gothic / doom / prog, « No blind eyes can see » un chef d´œuvre de nostalgie féminine et vénéneuse. Et bien sùr « Vermachtnis der Sonne », dont la singularité continue de fasciner les nombreux Lacrimofans, aux quatre coins du globe.

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Vermächtnis der Sonne

(Tilo Wolff)

In der Hingabe meiner Sucht
Mein Dasein und meine Kraft
Das Begehrte ist vergessen
Zurück bleibt nur das Verlangen

Das ist in Wort und Tat
Der längste Schrei meines Lebens
Zerissen von den Dämonen meiner Lust
Von den Schatten und den dunklen Trieben
Durchbohrt von den brennenden Fackeln meiner Sucht
Zerfetzt und zertrümmert Meinen Geist und meinen Willen
Geopfert und dahingegeben Geworfen in das Meer der Sinnlosigkeit

Doch mein Durst ist nicht gestillt
Mein Durst ist nie gestillt Aufsteigen werde ich erneut
Schon bald aus dem Wasser treten Den Wind und die Wellen erlegen
Und mir nehmen wonach meine Seele schreit
Völker unter der Sonne Kinder aller Herren Länder
Hier steh ich zwischen Himmel und Hölle
Und ersuche die stumme Kreatur mir zu helfen
Auf meinen Knien flehe ich um mehr Bitte gib mir mehr
Mehr von deinem Geist Mehr von deinem Leben
Jetzt und für alle Zeit und Ewigkeit

The Legendary Pink Dots: "Golden Dawn" (1985)

2011-04-03T14:18:00.008+02:00

Anglais émigrés aux Pays-Bas dès le début des années 80, The Legendary Pink Dots est une formation qui cumule les singularités. Stakhanovistes absolus, la bande du mystérieux Edward Ka-Spell aurait sorti près de 40 albums studio depuis 1981, et un nombre à peu près identiques de side projects. Tour à tour cold-wave, psychédélique, minimaliste, pop, industrielle et expérimentale, la musique des Dots donne dans l´éclectisme le plus radical. Si la démarche reste profondément underground, le relatif succès commercial rencontré entre la fin des années 80 et le début des années 90 a permis au groupe de se professionnaliser davantage et d´arpenter depuis et sans relâche les clubs d´Europe de l´Est comme de l´Ouest, mais aussi la Russie et les USA, où il jouit d´une certaine réputation. Dans les méandres d´unse discographie des plus complexes, on peut retenir par exemple "Poppy Variations" (2004), Nemesis Online (1998), Hallway of the Gods (1997). Quand aux 12 premiers opus sortis entre 1982 (Brighter Now) et 1993 (Malachai), c´est bien simple: ils sont à peu près tous cultes.

Sorti en plein milieu des années 80, Asylum porte particulièrement bien son nom. Principalement cold-wave et exprérimental sur la forme, il s´agit véritablement d´un cauchemar esthétique et délirant dont il n´est pas aisé de se défaire. Quelques morceaux en apparence plus légers tels "Echo Police" ou "The Hill" donnent la réplique aux monuments que sont les cauchemardesques "So Gallantly Screaming", "Go Ask Alice" et ses bandes inversées à donner le tournis, et le sépulcral, interminable et définitif "This Could be the End".

"Golden Dawn" constitue un autre cas complexe. Niant toute référence à la société secrète multi-séculaire Hermetic Order of the Golden Dawn, Ka-Spell nous conte une fable romantique pourtant assez largement ésotérique, oú une relative économie de moyens et d´effets permet d´approcher le merveilleux.

Ne pas rater la tournée 2011 des Dots: le 15/04 à Liège, le 16/04 à Bruxelles (j´y serai), le 19/04 à Paris (Divan du Monde), le 20/04 à Bordeaux, le 21/04 à Lyon et le 22/04 à Marseille.

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Golden Dawn
(Edward Ka-SPell, 1985)

I'll be your slave, maybe you'll be my priestess.
I'd live in a cave and we'd meet where all eyes are turned away.
Where we can lay, where we can play... and forget the storm.
Will you weep while I slip away... at Golden Dawn?

You drew a star, and I drew a circle.
We hid in the car, we crossed our fingers and hurtled down the street.
The fog was creeping slow, the deathbird peeping through the window.
We drove on and found our way to Golden Dawn.

I read the news and you heard the sirens.
We packed, then we flew to an island which no-one else could find.
Where we could hide and watch the tide slide in at twilight.
We made love... on and on 'til Golden Dawn.

The Sisters of Mercy : "Black Planet" (First..., 1985)

2011-01-09T14:12:00.003+01:00

Comme tous les groupes emblématiques de ce style musical, the Sisters of Mercy s´est toujours défendu d´être gothique. Un paradoxe parmi d´autres pour cette énigmatique formation londonienne, en activité depuis 1980, qui n´a réalisé que 3 albums studio en tout et pour tout (le dernier datant de 1990 !), tout en continuant de se produire en concert à intervalles réguliers. Un choix étrange, entre ascétisme studio et mercantilisme live. Pas étonnant dans ces conditions que le nom Sisters of Mercy puisse designer aussi bien un ordre religieux que des prostituées !

First & Last & always sort en 1985. C´est officiellement le premier album du groupe, qui a pourtant produit un grand nombre de singles et maxi au cours des années précédentes. Réalisé dans des conditions chaotiques en raison de l´abus de drogues du leader Andrew Eldritch et des problèmes personnels des différents membres, le disque bénéficie cependant pour l´époque d´un niveau de sophistication notable dû à la qualité du matériel d´enregistrement. Très homogène, le disque propose un rock sombre et étouffant, porté par une basse ronde et mélodique, une telecaster claire, une boîte à rythme froide et une voix d´outre-tombe contant des fables d´une noirceur radicale.

Black Planet ouvre l´album tout en grâce. Musicalement très proche de l´essence même de Sisters of Mercy, il s´inscrit dans la tradition de joyaux tels que Marian ou Alice: à la fois rythmé, mélodique et fondamentalement dépressif. Ne surtout pas rater les prochains concerts de Sisters of Mercy à Paris au Trianon, le 5 mars 2011 et à Bruxelles, à L´ancienne Belgique, les 21 et 22 février 2011 !

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Black Planet

(In the western sky)
(My kingdom come)

So still so dark all over Europe
And I ride down the highway 101
By the side of the ocean headed for sunset
For the kingdom come
for the...

Black planet
Black world

Run around in the radiation
Run around in the acid rain
On a Black planet
Black planet hanging over the highway
Out of my mind's eye
Out of the memory
Black world out of my mind

Still so dark all over Europe
And the rainbow rises here
In the western sky
The kill to show for
At the end of the great white pier
I see a…

Black planet
Black world

Run around in the radiation
Tune in turn on burn out in the acid rain on a..

Black planet
Black world

Christian Death: "Deathwish" (Deathwish, 1981)

2010-08-20T11:34:00.000+02:00

Désigné par plusieurs éminents spécialistes du mouvement gothique comme le groupe le plus important de tous les temps, Christian Death s´avère être une réalité particulièrement difficile à appréhender pour les profanes. Fondé à Los Angeles en 1979 par Rozz Williams au chant et Rikk Agnew à la guitare, la formation existe toujours en 2010, bien que ne comportant plus aucun membre du line-up original. Et pour cause: Si Agnew n´a en fait joué que sur le premier album (le mythique "Only Theatre of Pain") et quitté le groupe en 1981, Rozz Williams s´est lui suicidé en 1998 au terme d´une décennie particulièrement douloureuse pour lui, qui a vu dans un premier temps Christian Death splitter fin 1985, puis reprendre vie de manière totalement surréaliste sous la forme de deux groupes ennemis, - l´un sous son égide, l´autre emmené par le vénéneux Valor Kand, - portant rigoureusement le même nom et sortant des albums presque simultanément.

"Only Theatre of Pain" ainsi que le EP "Deathwish" constituent la pierre philosophale du death rock. Très homogènes, les morceaux composés pour ces disques sont en réalité de sombres comptines entêtantes empreintes de romantisme punk. Le chant de Rozz, classieux - presque maniéré - contraste efficacement avec les lignes mélodiques particulièrement brutes des morceaux, renforcées par une distorsion très original de la guitare et surtout les thèmes abordés dans les textes, qui évoluent entre descriptifs d´amours perverses et apologie du satanisme.

Emblématique de la première époque de Christian Death (pre-Valor), le titre Deathwish est un brûlot définitif, concis, entêtant et tragique qui continue à exercer une puissante fascination 30 ans après sortie.

Le Markis

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Deathwish
(Christian Death)

I see the end, I see the end well it was open so I crawled inside
And someone up ahead was crying, well someone up ahead was dying
Lost in the darkness, lost in today...

Well you can only lose it to your mind, you got to lose it to your mind
Waves and waves of tranquility is hard on your innocence
Discarding all that was before, Let's crawl inside...

La virginal souls devour without shame
We lick our lips clean, so clean
No one outside knows, no one outside knows what it means
To me, to be, set free

Sonic Youth: "Kool Thing" (Goo, 1990)

2010-05-02T20:46:00.000+02:00

Même si sa légende est plus vivace en Europe qu´aux Etats-Unis, Sonic Youth est l´un des groupes les plus importants du mouvement post-rock. Questionnant radicalement les conventions d´un certain rock mort au début des années 80, le Youth est à la fois un acte de rébellion et une proposition nouvelle. Déconstructeurs du rock à la Beatles, l´expérience Sonic prend la forme d´un art puissamment figuratif autant influencé par la peinture contemporaine que par la street-culture, les bruits et les couleurs de New-York. Si leur influence a été maximale dans la décennie 86-96, surtout paradoxalement sur des formations West Coast telles Nirvana, Pavement ou The Breeders, Sonic Youth s´est ensuite employé avec succès à faire fructifier son art, sortant à un rythme de métronome un album tous les deux ans jsuqu`à "The Eternal" (2009).

L´album "Goo" (1990), le premier sur le label Geffen, sort juste après le cultissime "Daydream Nation" (1988) et avant "Dirty" (1992). Cette période est celle de la maturité pour Sonic Youth, dont les essais précédents (de l´album éponyme de 1982 à "Sister" en 1987), s´ils sont remplis de fulgurances, sont aussi globalement moins homogènes. "Goo", c´est une pochette, un art style, une attitude, et un âge: l´adolescence. A ce titre, il est bluffant de constater que les membres de Sonic Youth, aujoud´hui largement quinquagénaires (à l´exception du batteur Steve Shelley), ont gardé une allure incroyablement teenage.

Kool Thing est un single nerveux et sexy, très new-yorkais. Tout aussi excitant dans sa version studio qu´en live, le morceau est porté par la voix blanche de Kim Gordon mélangée aux guitares du duo Thurston Moore / Lee Ranaldo qui résonnent comme des sirènes. Et si Steve Shelley fait un boucan d´enfer derrière ses fûts, on est comme toujours en dérapage 100% contrôlé. S´il existe évidemment une part d´improvisation chez Sonic Youth, elle précède toujours le processus créatif. Une fois un morceau conçu, les dissonances, distorsions et autres larsens deviennent des éléments constitutifs de l´œuvre, qui sera toujours réinterprétée telle quelle. En cela, Sonic Youth est également plus proche du peintre que du rocker.

Le Markis

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Kool Thing
(Sonic Youth)

Kool Thing sittin' with a kiddie
Now you know you're sure lookin' pretty
Like a lover not a dancer
Superboy take a little chance here
I don't wanna, I don't think so
I don't wanna, I don't think so

Kool Thing let me play it with your radio
Move me, turn me on, baby-o
I'll be your slave
Give you a shave
I don't wanna, I don't think so
I don't wanna, I don't think so

Yeah, tell'em about it,
Hit'em where it hurts
Hey, Kool Thing, come here, sit down beside me.
There's something I go to ask you.
I just wanna know, what are you gonna do for me?
I mean, are you gonna liberate us girls
From male white corporate oppression?
Tell it like it is!
Huh?
Yeah!
Don't be shy
Word up!
Fear of a female planet?
Fear of a female planet?
Fear, baby!
I just want to know that we can still be friends
Come on, come on, come on, come on let everybody know
Kool thing, kool thing

When you're a star, I know you'll fix everything
Now you know you're sure lookin' pretty
Rock the beat just a little faster
Now I know you are the master
I don't wanna, I don't think so
I don't wanna, I don't think so

Kool thing walkin' like a panther
Come on and give me an answer
Kool thing walkin' like a panther
What'd he say?
I don't wanna, I don't think so
I don't wanna, I don't think so

King Crimson: "Starless" (Red, 1974)

2010-03-06T18:22:00.002+01:00

KING CRIMSON - STARLESS (Complete)
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Pour un certain nombre de bonnes raisons, King Crimson est un phénomène à la fois aussi important dans l´histoire de la musique que difficile à appréhender. Si la formation britannique fondée en 1969 connut un succès immédiat avec son premier album In the Court of the Crimson King, considéré comme la véritable pierre philosophale du rock progressif, le groupe va opérer une mue artistique des plus déconcertantes tout au long des 40 années suivantes.

In the Court of the Crimson King

King Crimson connut en fait trois périodes d´activités: 1969-1974 puis 1981-1984 pour une trilogie controversée (Discipline, Beat, Three of a Perfect Pair) puis 1994-2003 avec à nouveau une série - cette fois extrêment radicale - de trois albums (Thrak, ConstruKction of Light, The The Power to Believe). La seule constante est la présence de Robert Fripp, architecte-guitariste d´un groupe, qui utilisera pas moins de 20 musiciens (essntiellement américains à partir de 1970) et 5 chanteurs différents en seulement 14 albums studio.

Sorti en novembre 1974, Red marque donc la fin de cette première période. Le groupe annoncera sa séparation deux mois avant la sortie de l´album ; il n´y a donc pas eu de tournée. Vénéré autant par la critique que par les musiciens (jusqu´à Kurt Cobain), Red est constitué de seulement cinq morceaux tous très originaux et réussis (ne surtout pas manquer « Fallen Angels » et « Red » !), opérant une sorte de fusion post-moderne de jazz et de progressif, porteur d´une radicalité nouvelle qui s´exprimera de facon claire seulement une vingtaine d´années plus tard sur les albums Thrak (1995) et The ConstrucKtion of Light (2000) (et aussi dans l´intervalle sur de nombreux side-projects de Robert Fripp).

« Starless » est le morceau phare de l´album. S´il est de fait éxécuté par quatre musiciens, King Crimson (comme en atteste la pochette) est à ce moment précis "psychologiquement" un trio constitué de Robert Fripp à la guitare, John Wetton au chant et à la basse, et de Bill Brufford à la batterie, que l´on peut voir ici complétement allumé sur la deuxième moitié du morceau. Si le titre démarre comme un sérénade spatiale, sereine et équilibrée, il va progressivement chavirer dans un chaos angoissant et calculé, en ne se défaisant jamais tout à fait de cette tonalité particulière, presque bluesy, qui donne sa couleur à l´album tout entier.

Soyons vigilant, on dit que la bête fera son retour en 2011.

Le Markis

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Starless
(Bruford, Cross, Fripp, Palmer, wetton)

Sundown dazzling day
Gold through my eyes
But my eyes turned within
Only see
Starless and bible black

Old friend charity
Cruel twisted smile
And the smile signals emptiness
For me
Starless and bible black

Ice blue silver sky
Fades into grey
To a grey hope that oh yearns to be
Starless and bible black

Pink Floyd: "Let There be More Light" (A Saucerful of Secrets, 1968)

2010-01-31T13:55:00.001+01:00

Non sans arguments, certains fans du Floyd avancent que le groupe anglais aurait à lui tout seul enfanté plusieurs styles musicaux : l´ambient en 1969 avec Cirrus Mirror, le punk la meme année avec The Nile Song, ou encore la techno dès 1973 avec On the Run. Tous les spécialistes conviendront en tout cas que la période 1966-1973 fut la plus créative de Pink Floyd. Avant le succès de "The dark Side of the Moon", avant "The Wall", avant "The Division Bell". Avant la stéreo. Avant de remplir les stades, avant le split, avant les procès. Bien avant les diques solos et la subite et éphémère reformation de 2006 pour le concert caritatif Live Aid. Bien avant la mort de Richard Wright, il y a un an.

Parmi les adorateurs du pink floyd d´avant 1973, il y a plusieurs clans. Les intellos et les puristes, souvent lecteurs de Rock & Folk, ne jurent que par le premier album "The Piper at the Gates of Dawn", dit "album de Syd Barrett". Les toxicos, eux préfèrent "More" et "Obscured by Clouds". Les fans de rock progressif continuent en 2010 à écouter en boucle "Meddle" (enfin surtout le morceau Echoes) et "Atom Heart Mother". Les amateurs d´expérimentations sonores sont d´ardents défenseurs de "Umma-Gumma". On peut tenter la synthèse et se tourner vers "A Saucerful of Secrets".

Sa pochette en atteste : "A Saucerful of Secrets" est un sacré fourre-tout. L´on y retrouve de nombreux éléments constitutifs de la singularité du Floyd: qualité mélodique, rigueur dans l´expérimentation, spiritualité maitrisée. Les plus grands moments en sont indiscutablement A Saucerful of Secrets et Set the controls for the heart of the sun, longues odysées sciences-ficionnesques introspectives et fortement addictives. On y trouve aussi de sérieuses réminiscences pop du premier album: Remember a day, Corporal Clegg ou Jugband Blues.

Qu´est-ce qu´on aime tant dans Let There be more Light ? Un peu tout en fait: son intro originale, sa ligne mélodique orientalisante, son chant halluciné, ses couplets de douze secondes, ses textes à dormir debout, son refrain qui lance des éclairs et son finish chaotique.

Le Markis

Let There Be More Light

(1968, Roger Waters)

Far, far, far, far a-way, way
People heard him say, say
I will find a way, way
There will come a day, day
Something will be done

Then at last the mighty ship,
Descending on a point of flame
Made contact with the human race at Mildenhall

Now, now, now
Is the time, time, time
To be be be aware

Carter's father saw it there
And knew the Rhull revealed to him
The living soul of Hereward the wake

Oh, my something in my eye eye
Something in the sky sky
Waiting there for me

The outer lock rolled slowly back
The servicemen were heard to sigh
For there revealed in flowing robes
Was Lucy in the sky

Oh, oh did you ever know, know?
Never ever will they
I'll say

Summoning his cosmic powers
And glowing slightly from his toes
His psychic emanations fly

Joy Division: "Heart and Soul" (1980, Closer)

2009-12-08T19:15:00.000+01:00

Joy Division fut sans doute l´étoile la plus filante de toute la galaxie rock. En avril 1979, la quartette de Manchester publie son premier album "Unknown Pleasures", que l´on peut voir rétrospectivement comme le chaînon manquant entre le mouvement punk, déjà déclinant, et la cold wave, versant froid et minimaliste de la new wave des années 80. Cet album culte - jusqu´à sa pochette - sera le seul qui verra le jour du vivant de Ian Curtis, vocaliste et leader charismatique à tendance épileptique.

Ce dernier se suicidera en effet pour de bon (après deux tentatives avortées la même année) en se pendant dans sa cuisine le 18 mai 1980 à 23 ans, après - dit-on - avoir écouté China Girl version Iggy Pop. Ce suicide intervient quelques semaines seulement avant la sortie du second album "Closer", chef d´oeuvre absolu, recelant de nombreux titres époustouflants tels 24 hours, Decades, The Eternal ou bien Heart and Soul.

Heart & Soul, morceau à la fois tourmenté et cristalin, cérébral et presque dansant, illustre à la perfection le style Joy Division de ce début de 1980. Une section rythmique aussi précise qu´hypnotique porte à bout de bras le chant habité de Ian Curtis, traduisant un rapport à la vie d´une intensité extrême.

Devant une telle démonstration, on peut se demander jusqu´où aurait mené le génie créatif de Joy Division sans cette fin, hélàs tout aussi prématurée que prévisible.

Le Markis

Heart and Soul
(1980, Joy Division)

Instincts that can still betray us,
A journey that leads to the sun,
Soulless and bent on destruction,
A struggle between right and wrong.
You take my place in the showdown,
I'll observe with a pitiful eye,
I'll humbly ask for forgiveness,
A request well beyond you and I.

Heart and soul, one will burn.
Heart and soul, one will burn.

An abyss that laughs at creation,
A circus complete with all fools,
Foundations that lasted the ages,
Then ripped apart at their roots.
Beyond all this good is the terror,
The grip of a mercenary hand,
When savagery turns all good reason,
There's no turning back, no last stand.

Heart and soul, one will burn.
Heart and soul, one will burn.

Existence well what does it matter?
I exist on the best terms I can.
The past is now part of my future,
The present is well out of hand.
The present is well out of hand.

Heart and soul, one will burn.
Heart and soul, one will burn.
One will burn, one will burn.
Heart and soul, one will burn.

Portishead: "Machine Gun" (2008, Third)

2009-11-14T13:00:00.000+01:00

On connait le processus classique au terme duquel une formation qui vient à percer subitement au niveau critique et commercial voit bien souvent sa démarche créative affectée pour se rapprocher inexorablement du consensus de l´époque. On peuit citer pêle-mêle les facteurs suivants: médiatisation, pression de la maison de disque, attentes d´un public devenu mainstream. Il faut à mon sens y ajouter ce confort matériel et psychologique, antidote absolu au processus créatif. Il y a ainsi dans l´histoire de la musique pléthore de formations qui, après avoir momentanément bouleversé les codes en vigueur, sont devenues des caricatures d´elles-mêmes, livrant des disques insipides et des discours formatés. Un peu de name dropping? U2, Depeche Mode, Metallica, Red Hot Chili Peppers, Paradise Lost, Tiamat, etc. la liste exhaustive serait hélas beaucoup trop longue.

Il n´est donc pas courant qu´un groupe se radicalise au fil des albums. Les exemples sont même extrêmement rares. On peut citer Radiohead livrant des albums quasi-expérimentaux comme "Kid A" puis "Amnesiac" après le succès mondial de "OK Computer". Ou bien Nirvana sortant "Incesticide" compilation poisseuse et déglinguée, immédiatement après l´Ouragan "NeverMind" dans le but de casser la hype et pouvoir se réinstaller dans un processus de création exigeant. On pourrait citer également Sonic Youth, Dream Theater, Killing Joke. Et Portishead.

J´avais bien aimé les deux premiers opus des anglais, sortis au milieu des années 90; ce mélange de classe et de fragilité, et aussi cette façon d´être à la fois très à la mode et d´en être complètement en dehors. En 2008, onze ans après leur second opus, Portishead livre "Third", album exigeant et particulièrement diffcicile à assimiler, même après un grand nombre d´écoutes.

Choisir "Machine Gun" comme premier single est en soi un vrai, grand et beau suicide commercial. De ceux qui instantanément vous coupent du grand public, c´est-à-dire du la frange du public la moins fidèle et la moins intéressée par la dimension intrinsèquement artistique de la musique. Car Machine Gun est un titre dérangeant à plus d´un titre. Si la structure du morceau est en réalité de facture classique (seul manquerait le refrain final après l´enchaînement couplet/refrain/couplet/refrain/bridge-solo), ce qui détone est que la mélodie, au lieu d´être naturellement portée par un clavier ou une guitare, est ici intégralement sous-traitée à une batterie électronique aux sonorités particulièrement effrayantes.

Indus, minimaliste, électro, martial jusque dans son titre, Machine Gun ne laisse ni indemne ni indifférent. Si Portishead est un groupe de rupture, Third est - jusqu´à nouvel ordre - son album le plus radical, et Machine Gun sa composition la plus jusqu´au-boutiste. On tient donc là l´épicentre absolu du phénomène.

Normal que ça secoue.

Le MarKis

Portishead
Machine Gun (Portishead)

I saw a saviour
a saviour come my way
I thought I'd see it
at the cold light of day
but now I realise that I’m
Only for me

if only I could see
You turn myself to me
and recognise the poison in my heart
there is no other place
no one else I face
remedy, we’ll agree, is how I feel

here in my reflecting
What more can I say?
for I am guilty
for the voice that I obey
too scared to sacrifice a choice
chosen for me

if only I could see
You turn myself to me
recognise the poison in my heart
there is no other place
no one else I face
The remedy, to agree, is how I feel

Alice In Chains: "Would?" (1993, Dirt)

2009-10-12T15:06:00.000+02:00

Comment expliquer que dans les environs de Seattle naquirent entre 1985 et 1990 une dizaine de groupes, dont les plus talenteux s´appelaient Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden et Alice In Chains, partageant pour l´essentiel une vision pessimiste de l´existence et une passion pour les sons de guitare bien lourds tout en exprimant un rejet vis-à-vis des codes metal alors en vigueur?

On a évoqué le climat pluvieux de Seattle, l´impact de la désindustrialisation, ou encore l´influence particulièrement fort de la drogue sur la jeunesse locale. Toujours est-il que de manière brutale la capitale de l´Etat de Washington devint l´épicentre du renouveau musical rock entre, disons, 1991 (sortie de Nevermind) et 1994-1995, années marquées par la mort de Kurt Cobain et l´essouflement des grandes formations locales après la sortie de plusieurs chefs d´oeuvre: SuperUnknown de Soundgarden (1994); Nevermind, donc, et In Utero (1993) de Nirvana; Ten (1991), Vs (1993), Vitalogy (1994) pour Pearl Jam; et Dirt (1992) et son plus discutable album éponyme sorti en 1995 pour Alice In Chains.

Dirt. Sans nul doute l´un des disques les plus déprimants de l´histoire du rock avec ses mid-tempos obsédants, ses thématiques morbides et les boucles vocales lancinantes de Layne Staley. Ce dernier tente d´exorciser son mal-être et ses démons les plus cachés au prix d´efforts vocaux parfois presque insoutenables. La dépendance de Staley à l´héroïne et à la cocaïne, jusqu´à son décès par overdose en 2002, rendait les tournées du groupe pratiquement impossibles. Les titres des morceaux comme Dirt, Down in a Hole, Junkhead, Hate to Feel ou Rain when I Die sont particulièrement explicites.

Pourtant, ce véritable enfer sonore déjà trop plein de certitudes sur l´inévitable tragédie qui vient, se conclut par un titre qui, par son point d´interrogation, semblait laisser comme un minuscule espoir.

Le MarKis

Alice In Chains
Would? (Layne Staley)

Know me broken by my master,
Teach thee on child of love hereafter,

Into the flood again,
Same old trip it was back then,
So I made a big mistake,
Try to see it once my way.

Drifting body, it's sole desertion,
Flying, not yet quite the notion.

Into the flood again,
Same old trip it was back then,
So I made a big mistake,
Try to see it once my way.

Into the flood again,
Same old trip it was back then,
So I made a big mistake,
Try to see it once my way.

Am I wrong?
Have I run too far to get home
Have I gone?
And left you here alone

Am I wrong?
Have I run too far to get home, yeah
Have I gone?
And left you here alone

If I would, could you?

Can: "Deadlock" (1970, Soundtracks)

2009-09-19T00:13:00.000+02:00

Très souvent citée comme influence majeure par les groupes de rock progressif, noisy ou expérimental de ces 30 dernières années, Can a composé entre 1969 et 1979 une douzaine d´albums particulièrement indispensables. Sur son premier disque, le groupe allemand basé à Cologne fait appel à un crooner noir américain particulièrement dépressif et conflictuel qui s´en ira - sur les conseils de son psychiatre - juste après la sortie du premier album "Monster Movie". C´est alors que les musiciens de Can repèrent Damo Suzuki, jeune aventurier japonais errant en Europe, en train de chanter dans un café de Munich. Le soir même il se produira en concert avec le groupe. De toute facon Suzuki n´aime rien tant que l´improvisation; y compris lors des enregistrements studio. Il chante souvent en anglais, parfois en japonais. Doté d´un charisme bizarre, il s´embarque souvent dans des délires vocaux particulièrement inquiétants dont le paroxysme sera atteint sur "Tago Mago", double album complexe et passionnant sorti en 1971, considéré aujourd´hui encore comme la véritable pierre angulaire du Krautrock.

Psychédélique et démoralisé, "Deadlock" est un cri tout autant qu´une expérience. Une guitare stridente semble gémir tout le long du morceau et plusieurs fausses notes viennent ponctuer cette performance live complètement hallucinée. Le public semble partagé entre adoration, consternation et effroi. Les paroles n´ont aucun sens, pourtant Suzuki paraît plus habité que jamais.

Il restera quatre ans au sein de Can, avant de se convertir Témoin de Jéovah et de stopper toute activité musicale pendant dix ans. Can s´orientera après son départ vers un style plus instrumental, hypnotique, ethnic ou ambient, mais toujours aussi radical dans sa singularité.

Le Markis

Deadlock
(Can)

When we fools didn’t know about the new room
You cruised through along the sunshine.

But tender smile and tender leaves just for chess and me
Now you fools stand happy in the pain.
(version: you fools stood along the sunshine)

When tender smiles and tender leaves just for chess and me
Now you fools stand in the plane
(version: now you fools get out / get out of the sunshine)

When we fools didn’t know about the new room
You fools cruised along the sunshine.

Marillion: "The Party" (1991, Holidays in Eden)

2009-09-13T14:58:00.003+02:00

On a eu raison de juger sévèrement Holidays in Eden à sa sortie en 1991. Cet album, indigeste à bien des égards, était une tentative grossière pour Marillion de conquérir le grand public. Après plusieurs albums encensés par la critique mais ayant joui d´un succès relatif en terme de ventes, les anglais allait tenter le gros coup: un album aux tonalités et aux structures pop, recelant ce qu´ils pensaient être un grand nombre de tubes potentiels radiodiffusables. Nonsense pour le band le plus prometteur de la vague néoprogressive des 80´s. Et sanction logique: Marillion n´a bien entendu pas réussi a conquérir les masses et a dans le même temps bien faili perdre ses cohortes de fans si durement fidélisés.

Ce sixième album studio et deuxième seulement de l´ère post-Fish avec Steve Hogarth au chant n´est pourtant pas à jeter. Car l´on passerait à côté de deux morceaux cruciaux, annonciateurs des deux disques suivants, qui allaient - eux - devenir cultes: Brave (1994) et Afraid of Sunlight (1996). Je veux parler de l´hypnotique " et de "The Party", morceau à la fois ample et intimiste; pudique et cru; symphonique et par certains aspects pourtant presque minimaliste.

Faussement bien elevé, "The Party", dépeint en réalité le dépucelage banal d´une adolescente de la banlieue londonienne lors de sa première "boum", le tout sur fond d´effluves de drogue et d´alcool. Pas de moralisme et pas non plus d´empathie envers le personnage principal, le texte d´Hogarth est aussi impersonnel et froid que son chant est au contraire puissamment émotionnel, démontrant comme souvent une capacité tout à fait troublante à conjuguer le clair avec l´obscur, à lyriciser le banal. Au fur et à mesure que le morceau se développe, la tension augmente pour atteindre une zone de faux équilibre qui éclate ensuite douloureusement par un solo de guitare paroxystique bien que particulièrement avare en notes, et qui lui même s´éteint dans un final en deux temps; symphonique puis intimiste. Pas de refrain dans cette petite pièce de musique qui multiplie les faux-semblants et les fausses-pistes, mais le charme fou des oeuvres majeures qui jouent à se déguiser en anecdote. Dix-huit ans après sa création, tout indique que "The Party" demeure l´un des secrets les mieux gardés de l´imposante discographie des elfes d´Ailesbury.

The Party
(Steve Hogarth / Marillion)

She bought a bottle of cider - From the shop on the corner
They didn't stop her - Thought she was older
She took a bus ride - To a name and a number
A house full of music - And a hat full of wonder

And some of the people that she thought that she knew
Were never like this when she saw them at school
She's never been anywhere like this before... Everybody's so out of control

She was in a backroom - Full of strange aromas
And noises and candles - That was where he found her
He took her to a garden - Full of rain and silence
And she could smell the soil and the trees and see the succulent light from the little fires in his eyes pulling shapes out of the night ... She was enchanted....

Then it's twelve o'clock - And the last bus is gone
They're gonna go crazy when they hear what she's done
And higher is lower - And less is like more
She's never felt anything like this before... Before

And then it was yesterday
And he said 'Oh, by the way,'
'Welcome to your first party'